Hugo

A passionate brief for film preservation wrapped in a fanciful tale of childhood intrigue and adventure, Hugo dazzlingly conjoins the earliest days of cinema with the very latest big-screen technology. At once Martin Scorsese’s least characteristic film and his most deeply felt, this opulent adaptation of Brian Selznick’s extensively illustrated novel is ostensibly a children’s and family film, albeit one that will play best to sophisticated kids and culturally inclined adults. Paramount has no choice but to go for broke by selling this most ingenious of 3D movies to the widest possible public, hoping that critical acclaim and novelty value will pique the curiosity of all audiences. All the same, it remains something of a tricky proposition commercially.

Like so many of the most popular and enduring fictions centered on children, from Dickens to Harry Potter, this one is about orphans and castoffs, kids who must scheme, fight and resist authority to make their way in life. With exceptional imagination, first Selznick and now Scorsese and scenarist John Logan have found a way to connect their resourceful leading characters with one of the great early figures of cinema,Georges Melies, most famous as the originator of the science fiction film with his 1902 A Trip to the Moon and, perhaps more significantly, the first man to recognize the connection between the cinema and dreams.

In an incidental moment that alone justifies the entire recent resurgence of 3D, Scorsese recreates the legendary presentation of the Lumiere brothers’ 1897 Arrival of a Train at La Ciotat, at which audiences flinched in horror as a train filmed coming into a station appeared to be headed right at them, in a way that astonishingly captures the reaction the brief clip was described as having created. For anyone remotely interested in film history, Hugo must be seen in 3D if only for this interlude, which the director and cinematographer Robert Richardson have pulled off through an impeccably precise combination of framing and timing.

The richness of detail and evident care that has been extended to all aspects of the production are of a sort possible only when a top director has a free hand to do everything he or she feels is necessary to entirely fulfill a project’s ambitions. As has been seen all too many times, this sort of carte blanche has its pitfalls in indulgence, extravagance and waste. In this case, however, the obvious expenditures of time, care and money would seem to have been devoted to matters directly connected to Scorsese’s overriding obsessions with film — the particulars of its creation, manner of presentation, the nature of the people who make it, its importance to the inner lives of those who love it and preservation both of film itself and the reputations of its practitioners.

By contrast, the film’s faults have more to do with less exalted issues such as slight overlength, a certain repetitiveness and the evident fact that Scorsese is not a great director of physical comedy.

The eponymous orphan here is Hugo Cabret (Asa Butterfield), a prepubescent youngster who, after the death of his beloved father (Jude Law in flashback), is grudgingly taken under wing by a dissolute uncle (Ray Winstone) who tends to the complicated system of clocks at one of Paris’ major train stations, circa 1931 (as specified in Selznick’s book, The Invention of Hugo Cabret, although not in the film). The labyrinth of gears, cranks, shafts and stairs that comprise this hidden chamber is explored in an extraordinary shot that winds up through it, and when the old man expires, Hugo, with nowhere else to go, surreptitiously takes charge of the clocks, unbeknownst to the vigilant station inspector (Sacha Baron Cohen).

When the coast is clear, Hugo slips out of a wall grating to snatch something to eat and runs afoul of a sour old man (Ben Kingsley) who tends a toy shop in the station. He also meets another station dweller, Isabelle (Chloe Grace Moretz), who’s been raised by the old man, her godfather, and his wife. A precocious lass who, in a nice invention of Logan’s, likes to use big words, Isabelle is a bookworm with bright eyes and a wonderful smile who has no complaints except that her protectors won’t permit her to see movies. Hugo remedies this by taking her to a showing of Safety Last, famous for the image of Harold Lloyd dangling over the streets of Los Angeles from a clock. Thus is born a new cinephile.

Having found his first friend, Hugo dares to bring Isabelle to his private lair, albeit with an ulterior motive; a heart-shaped key she wears around her neck looks like just what he needs to activate his primary inheritance from his father, an elaborate, unfinished automaton he’s been tinkering with that he suspects might provide him with vital information.

The upshot is that Isabelle’s guardian is none other than Melies, the film pioneer thought to have died during World War I. Embittered and forgotten, Melies destroyed his own work, melting the celluloid down to be used as heels for women’s shoes, and the children, in league with an early film historian (Michael Stuhlbarg) set about engineering the resurrection of the old gent’s reputation, while also restoring his sense of purpose in life.

This impulse to recognize and rehabilitate a filmmaker and his work lies at the core of Hugo and has perhaps never before been so lovingly and extensively expressed in a narrative feature. As the film pushes into its second hour, Scorsese and his team imaginatively and exactingly recreate the shooting of scenes from several notable Melies films, replicating the extraordinary sets, costumes and “special effects” they employed, and which often featured the director’s wife Jeanne (Helen McCrory). A particular point is made of how Melies’ films were hand-colored, frame by frame, the results of which are vividly rendered through the fortuitous recent Lobster Films color restoration of A Trip to the Moon. In related contexts, many other silent films — some famous, others not so much — are sampled in an enormously expressive but admirably disciplined manner.

Compared to Scorsese’s fundamental achievement in so eloquently articulating his abiding passion in a fictional context, the melodrama surrounding Hugo’s precarious existence in the station and his persistent, if easily distracted, pursuit by the station inspector feels overextended and indulged. The kid-in-peril interludes feel both obligatory, as something to potentially engage younger audiences, and padded to give more screen time to Cohen, who delivers an arch performance that is faintly amusing and slightly off-key. The director works overtime to give the station scenes cinematic life, letting the camera loose to prowl amid hordes of extras and dense scenic detail, but overkill eventually sets in after one or two too many chases. An under-two-hour running time should have been a goal.

One aspect that takes a bit getting used to is the across-the-board use of British accents by the, admittedly, mostly English cast for characters who are all French. It was a perfectly pragmatic decision, in the end, as having the actors employ French accents would likely have proved annoying and universal American accents would have been no more logical than British ones; it’s probably just the vast difference in speech and temperament on opposite sides of the Channel that somewhat jars.

Although he ultimately comes through with a winning performance, Butterfield, previously seen inSon of Rambow and The Wolfman, seems a bit stiff and uncertain in the early-going; there are scenes in which he seems over-manipulated, right down to the slightest gestures and the direction of his glances. By contrast, Moretz (Kick-Ass, Let Me In), with her beaming warmth and great smile, is captivating as a girl who leaps at the chance for some adventure outside of books. Refusing to sentimentalize, Kingsley catches both the deeply submerged hurt and eventual pride of an artist long but not forever erased from history, while McCrory invigorates as his younger wife, who first protects but then crucially helps liberate his secret.

The film’s craft and technical achievements are of the highest order, combining to create an immaculate present to film lovers everywhere. It would be hard to say enough on behalf of Richardson’s cinematography, Dante Ferretti‘s production design, Sandy Powell’s costumes, Rob Legato’s extensive visual effects, Thelma Schoonmaker’s editing, Howard Shore’s almost constant score and the army of technical experts who made all of Scorsese’s perfectionist wishes come true.

One amusing detail is that the view from Hugo’s clock tower seems to vary in height from scene to scene, as judged in relation to the Eiffel Tower across the city; at times it’s level with the second deck of the landmark, at others is even with the very top and at least once provides a perspective actually looking down upon it. A work of great imagination indeed.

Unter Dir Die Stadt

Kalt, glatt und charakterlos: Der Regisseur Christoph Hochhäusler hat mit “Unter dir die Stadt” einen anteilnahmslosen Film über die Anzugträger in Frankfurts Bankenhochhäusern gedreht.

Einmal wird die Kamera zum Verräter. Da sitzt Roland Cordes, Banker des Jahres, mit der jungen Frau eines seiner Angestellten im Café, ihre Mienen sind steif wie die Servietten auf dem Tisch, ihre Gespräche unpersönlich und zurückhaltend wie die Kellner, noch nicht einmal über Musik können sie sich unterhalten; nie im Leben käme man auf die Idee, diese beiden Menschen könnten irgendeine Art von Anziehung füreinander empfinden, gäbe es nicht einen unvermittelten Close-Up. Sekunden nur.

Die junge Frau isst einen Keks. Lippen. Krümel. Plötzliche Nähe. Eine Kamera-Einstellung, die offenbart, was den unbewegten Gesichtern nicht anzusehen ist: Cordes wird eine Affäre mit der jungen Frau beginnen. Und weil er ein Mann ist, der Geldsummen wie Menschen so lange herumschiebt, bis er den maximalen Gewinn zu machen glaubt, wird er ihren Mann für einen Einsatz nach Indonesien schicken. Als Troubleshooter. Gold wert für die Karriere, und Gift für die Beziehung. Denn eigentlich war die Abmachung, dass das Paar zumindest für zwei Jahre zusammen in einer Stadt lebt.
Die meiste Zeit verweigert Christoph Hochhäuslers Film “Unter dir die Stadt” seinen Zuschauern diese Nähe zu den Figuren, wie er auch den Figuren jede Nähe zueinander verweigert. Fast schmerzhaft ist es, ihnen beim Scheitern zuzusehen. Cordes, der seiner Geliebten unbeholfen das Haus seiner Eltern zeigt, Sex in Kleidung und in Hotelzimmern, neue Sofas (“wie im Katalog”) für Wohnungen, die keine Sekunde lang wie ein Zuhause wirken, Frauen, die von ihren Freunden ohne Ironie als “High Potentials” sprechen.

Es ist eine unterkühlte, eine lieb- und leblose Welt. Eine, die sich in Frankfurts Bankentürmen abspielt, hinter den glatten Fassaden. Alle Gefühle, alle Liebe, alle Wut, alles Spontane, alles Menschliche – lässt einen dieser Film glauben – müsse so schwer sein, dass es nach unten sinkt, dass es sich als Bodensatz ablagert auf den Bürgersteigen und Straßen. Wer vor all dem flüchten will, muss unweigerlich nach oben, in die obersten Chefetagen der Bankentürme.

Im doppelten Sinne charakterlos

Die Kamera schaut nicht zu den Menschen dort oben hinauf, sie schaut auch nicht auf sie herab, sie schaut ihnen neugierig, aber verständnislos aus der Ferne zu. Der Film ist eine Finanz-Milieu-Studie, so anteilnahmslos wie der Bericht einer Unternehmensberatung.

Im vergangenen Sommer wurde er in Cannes gezeigt und danach gefeiert; in Deutschland wurde er bisher vor allem kritisiert: zu langweilig, zu unterkühlt, zu starr. Die Figuren sind gleich im doppelten Sinne charakterlos: Sie haben erstens keine Moral und zweitens nichts Eigenes, und es bleibt unklar, was gruseliger ist. “Woran würdest du mich erkennen?”, fragt Cordes einmal seine Ehefrau, und nicht einmal sie weiß eine Antwort.
Es ist nicht die einzige Frage, die offen bleibt: Warum schläft die junge Frau mit Cordes? Gefällt ihr die Macht? Will sie sich an ihrem Mann dafür rächen, dass er sie in Frankfurt allein lässt? Ist es Selbstzerstörung? Oder vielleicht – das ist die traurigste und wahrscheinlichste Option – ist alles gleichzeitig egal und möglich?

Der Film ist nie mitreißend. Und er kann auch keinen Spaß machen, weil Spaß in seiner Welt schlichtweg nicht existiert. Letztlich ist dieser Film wie ein Blick auf die Glasfassaden einer der Türme in Frankfurt: Manchmal glaubt man etwas zu erkennen, aber wahrscheinlich ist es doch nur die eigene Projektion auf den spiegelglatten Flächen.

UNLIKE U-Trainwriting in Berlin

Mein halbes Leben

Filmemacher Marko Doringer seziert akribisch die aus konservativer Sicht absolut erfolglosen ersten 30 Jahre seines Lebens mit Kamera und Mikrofon. Durch den Vergleich seines Lebenslaufs mit dem seiner Freunde versucht Doringer seine gesellschaftliche Stellung nicht zu rechtfertigen, sondern auszuloten. Das Ergebnis ist eine bissige Realsatire mit Selbsterkenntnis für fast Jedermann

Marko Doringer, ein Österreicher der in Berlin lebt, hat gerade seinen dreißigsten Geburtstag hinter sich. Wie die meisten jungen Menschen in diesem Alter macht er gerade die entsprechende Lebenskrise durch. Nicht nur ist die Teenie- und Twenzeit absolut vorbei, auch hat Doringer weder Frau noch Freundin, natürlich auch keine Kinder, und auch keine abgeschlossene Ausbildung. Anstatt im Selbstmitleid zu versinken, beschließt Doringer, seine Familie und seine alten Freunde zu besuchen, um einmal zu sehen, wie sich deren Leben entwickelt hat und was sie so von seinem Leben in der 30er-Zone halten. Das Ergebnis kann sich sehen lassen:

Während einer der Freunde Karriere als Sportjournalist gemacht hat, die ganze Branche aber fade findet, arbeitet eine alte Freundin nach ersten Erfolgen nun am großen Durchbruch als Modeschöpferin, Magengeschwür garantiert. Ein dritter wurde von der Karrierewut seines Vaters angesteckt und knechtet sich in Bulgarien als Jungmanager den Buckel wund, nur am Wochenende fährt er heim zu Frau und Kind. Doringers Eltern und Großeltern dahingegen legen weit konservativere Maßstäbe an sein Leben an, sorgen sich um die Zukunft und kommen auf ziemlich radikale Ideen, wie Doringer das Ruder seines Lebens noch herumreißen könnte.

Zwischen den Szenen, entstanden über mehrere Besuche in der österreichischen Heimat, findet Doringer sich beim Psychologen ein und hofft, seinen Zukunftsängsten, Existenzängsten und schleichenden, aber berechtigten Neidgefühlen Herr zu werden. Besonders bemerkenswert: Doringer drehte den Film praktisch im Alleingang, die Kamera schnallte er sich mit einer Art improvisiertem Steadycam-Stativ auf Augenhöhe an den Körper. Nur in den Szenen beim Psychologen bekommen wir den sympathischen jungen Mann mit den langen Haaren, der offenbar nicht wegen seines Aussehens Single ist, selbst zu sehen, denn nur dort richtet er die Kamera auf sich.

Der Film ist ein einziges Déjà-Vu-Erlebnis für alle über 30, deren Leben sich nicht auf der ständigen Überholspur befindet. Doringer trägt seine eigene Haut zu Markte, um stellvertretend für all die Einsamen, für all diejenigen, deren Karriere noch auf sich warten lässt, und für alle, deren Freunde beim “Mein Haus, mein Auto, mein Boot”-Spiel schon lange vorbeigezogen sind, einen Blick auf die Wertigkeiten in unserer Gesellschaft zu werfen.

Dabei ist es gar nicht einmal optimal, die weiteren Lebensläufe seiner Freunde weiterzuverfolgen, denn diese zusätzlichen Kapitel machen den Film ein wenig zu lang. Doch abgesehen von dieser Kleinigkeit ist Mein halbes Leben der beste Beweis dafür, dass man auch jenseits der 30 noch mit einer guten Idee punkten und sich praktisch über Nacht zum fähigen Filmemacher mausern kann. Dass die meisten eingefangen Szenen bissigste Realsatire sind und im Publikum einige Brüller hervorrufen werden, konnte Doringer vorher ja nicht ahnen. Absolut empfehlenswert für Singles, Pärchen, junge Eltern, werdende Eltern, die Generation Ü30 sowie deren Eltern, Zerstrittene (frisch oder länger), Liebende, Einsame, Frustrierte und sogar frisch Getrennte.

DAVID WANTS TO FLY

Welcher David hier fliegen will, bleibt gezielt unklar in David wants to fly. Ist es der unterfinanzierte Hutträger und Regie-Anfänger David Sieveking oder sein Idol, der weltberühmte Filmemacher und militante Sekten-Unterstützer David Lynch? Dessen Sekte sind die Transzendentalen Meditierer – bekannt durch ihren kürzlich verstorbenen Chef Maharishi Mahesh Yogi und seine berühmtesten Jünger, die Beatles – und die wollen schließlich neben allerhand anderem Schnickschnack auch qua Meditation die Schwerkraft aufheben. Nun ist der Ruf von David Lynch durch sein Engagement für diese Leute ohnehin derartig ramponiert, dass es wahrscheinlich leicht wäre, eine Art Biopsie spezifischer Künstlerverblödungen zu erstellen. Aber die Geschichte verläuft ganz anders.

Der begabte junge Filmemacher Sieveking, der, wie man das heute so macht, einen Dokumentarfilm dreht, um zunächst mal von sich zu erzählen, beschließt, selber gläubig zu werden. Er reist zu allerlei Welttreffen der Transzendentalen Meditierer, wird als vielversprechendes Mitglied hofiert und trifft alte und neue Gurus, ja bizarre Heilige wie einen dicklichen »König von Deutschland«, der Deutschland unbesiegbar machen will (durch Meditation). David Sieveking beginnt erst in dem Moment zu zweifeln, als er mitkriegt, dass es ums Geld geht. Und da ist mit deutschen Seelensuchern nicht zu spaßen. Religion und Geld gehen für sie nicht zusammen.

Dabei hatte ein aufgeräumter Lynch bei seiner ersten Audienz für den anderen David schon ganz offenherzig erklärt, der große Vorteil der Transzendentalen Meditation (TM) bestehe darin, dass man als Meditierender besser und konzentrierter arbeiten könne. »It’s like money in the bank.« Und dass ein gut geölter, das Letzte aus den Leuten herausholender Kapitalismus seine ganz spezifische Spiritualität braucht und konstruiert, weiß man spätestens seit Max Webers Die protestantische Ethik und der Geist des Kapitalismus, mithin seit hundert Jahren. Die verschärfte Form eines kognitiven Kapitalismus, für den Hollywood steht, hat seit Jahrzehnten einen eigenen Komplex aus Religionen hervorgebracht, den der Literaturwissenschaftler Harold Bloom den »kalifornischen Orphismus« nennt: New Age, Ambient-Religionen und Burning-Man-Erlebniskulte sind wohl schon die dritte Generation dessen, was mit der zweiten Theosophie-Welle begann, dann mit Scientology und eben auch Transzendentaler Meditation seit Jahrzehnten Menschen Trost, Halt und Identität spendet, die von Berufs wegen andere Leute darstellen.

Dass man diesen Bewegungen nicht den Mumpitz vorwirft, den sie ihren Kunden verkaufen, sondern nur die Tatsache, dass sie überhaupt etwas verkaufen und ungesund hohe Profite für sinistre indische Sippschaften einfahren, war schon immer rätselhaft. Wieder ist es in David wants to fly David Lynch, der gute Gründe dafür nennt, dass die Spiritualitäts-Dealer gewiefte Geschäftsleute sein müssen: Gute Produkte müsse man jederzeit und überall kaufen können, die Produktion müsse gut organisiert sein. Doch der Filmemacher David Sieveking hat jetzt langsam genug. Er folgt einem lustigen hinduistischem Mönch in die Berge, um seinen eigenen spirituellen Weg zu gehen, wie man das so macht im Lande der Siddhartha- Leser.

Zwischendurch ist er ganz vom Thema »Lynch und organisierte Spiritualität« abgekommen und weite Strecken gereist, um seine ebenfalls sehr betriebsame Freundin auf irgendeinem Flughafen zu treffen. Irgendwann verlässt sie ihren Boyfriend bei einem Spaziergang auf Coney Island. Die Entscheidung im ewigen Städtevergleich New York gegen Berlin ist diesmal für New York gefallen. Außerdem hält sie eine Verteidigungsrede für David Lynch. Der hyperkritisch gewordene Ex-Freund solle aufhören, berühmte Männer zu belästigen.

Berühmte Männer, die der Droge Religion verfallen, gehen heute normalerweise schlauer damit um als David Lynch. In Zeiten vielfach gelebter kognitiver Dissonanzen wissen sie, dass man mit seinen religiösen Neigungen anderen Leuten auf die Nerven gehen kann, und behalten sie lieber für sich. Ein nicht ganz unbekannter avantgardistischer Musiker erzählte neulich, dass er privat den Zeugen Jehovas angehöre, was man aber auf keinem Fall weitererzählen dürfe. Man kann sich heutzutage eben sehr gut für seinen Glauben schämen und dafür daheim in Malibu noch viel heftiger glauben. Selbst Scientologen hängen ihre Science nicht mehr ganz so groß an die Glocke. Umso überraschender, dass in David wants to fly Sir Paul McCartney auf Bitten von Lynch auftritt (mit einem »Ringo Starr« genannten Männlein im Schlepptau, das aber nichts sagt und auch von einer Double-Agentur stammen könnte) und erzählt, wie sehr ihm die Transzendentale Meditation bis heute helfe. Erinnert sich McCartney nicht an Sexy Sadie von einer Band namens The Beatles, den, allerdings von John Lennon getexteten, Abgesang auf den Maharishi aus dem Jahre 1968, der auf die offensichtlich immer noch gültige Zeile hinausläuft: »You made a fool of everyone«?
Und in Sachen fools hat Sievekings Film dann auch so manches zu bieten. Nicht nur Sir Paul, auch der alte Donovan macht sich noch heute für Transzendentale Meditation stark, während ein gar nicht so vertrottelt wirkender kanadischer Multimillionär, Großverleger und Ex-Anhänger halb verbittert von den Millionen berichtet, die er in Potemkinsche Schulungszentren und abstruse Architekturanlagen in der amerikanischen Wüste oder abgelegenen indischen Tälern gesteckt hat. Auch der bei TM mittlerweile missliebige Filmemacher Sieveking kann die gut gesicherten Trainingslager der Sekte nur aus der Distanz filmen. Doch offensichtlich wird dort genauso wenig trainiert wie in der indischen Anlage, zu der er sich mit einem Trick Zugang verschafft. Es handelt sich um reine Kulissen für gelegentlich inszenierte Demonstrationen der Größe von TM.

Aber daraus Argumente zu entwickeln oder sogar Schlüsse etwas größerer Dimension zu ziehen, als dass es bei Geld ums Geld geht und Schmutz ein schmutziges Geschäft ist, steht nicht an.

Auf der sicheren Seite

This creative documentary film tells about the future of residential life in our globalized world. We are interested in the phenomenon of enclosed neighbourhoods which appear all over the world. We want to tell the story of inhabitants of security communities, their wishes and concerns, their motivations for moving into gated residential areas.

Gated Communities are like the world in a drop of water: they mirror complex relations between the dream of a safe life and the risks and menaces of polarized cities, the longing for identity and community and the confrontation with poverty, migration and crime.

Searching for answers we will travel to three different cities in three different continents, with three completely different backgrounds and settings: Johannesburg in South Africa, Bangalore in India and Las Vegas in the USA. Surprisingly, the solutions to various problems are alike: Gated Communities.

Pressure Cooker

Pressure Cooker is far from a TV chef reality show and is about as real as it gets. The culinary class at northeast Philadelphia’s Frankford High school is run by teacher, Wilma Stephenson. The term ‘run’ is an understatement. She puts the batteries in the backs of underprivileged youth so that they can compete for scholarships to attend the best culinary schools in the country and graduate with top honors. She does this with the use of tough love and drill instructor-like tactics, and bake sales to get these kids over a half million dollars in scholarships in one year. Wilma’s unorthodox method of teaching is balanced out by the love that she shows the children. She teaches them how to carve a potato into a seven-sided football shaped tourne, how to dress for the prom and how to not be “so ghetto!

Wilma’s authoritative voice and tone resonates, but the students are truly the stars of this documentary. Fatoumata, an immigrant of Mali, tells a story of having to walk 20 miles daily to school in her home country and how cooking at Frankford is her escape from her strict father, who doesn’t allow her to attend the senior prom. Erica, who comes from a broken home, takes on the mother role in the care of her blind little sister. Tyree is trying to juggle the culinary arts with high school football and has the job of getting his mother and little sister out of the hood.

Directors Jennifer Grausman and Mark Becker captured the essence of great teaching and ambition, and make this documentary one of the most important movies in 2009. I dare you to walk away from this movie not hopeful, inspired and wanting to go home and practice cutting tournes.

The Fountain

At 29, Darren Aronofsky catapulted to filmmaking stardom with a little independent film called Pi, a mind-bending thriller about a mathematician obsessed with a numerical code of grand-unifying proportions. Now, eight years later, after the creation of both Requiem for a Dream and a child (with actress Rachel Weisz), Aronofsky is back with The Fountain, a mind-bending thriller about a scientist obsessed with a life-saving experiment. Needless to say, Aronofsky himself is a little bit obsessed with crafting science-fictional universes.

The 37-year-old writer-director says he was always interested in science—his father taught the subject—but he was never particularly good at it in high school. He instead studied filmmaking and animation at Harvard University.

The Fountain, Aronofsky says, was inspired by a series of conversations he had with Ari Handel, his former Harvard roommate, who has a PhD in neuroscience from New York University’s Center for Neural Science. In 1999, Handel and Aronofsky began to discuss the search for the Fountain of Youth and how ideas can interconnect like a Russian doll, with one fitting inside the other.

“I think science is a very structured way to analyze the spiritual world. But sometimes there is a touch of magic that you can’t put your finger on.”

In the film, these multiple layers involve three parallel storylines revolving around a man (Hugh Jackman) searching for a cure for his wife’s terminal brain tumor. Past and future narratives interweave with the present: Weisz stars as both the man’s beloved and the Queen of Spain, and Jackman is a Spanish conquistador in search of the Fountain of Youth and a futuristic astronaut trying to hold onto eternal life and love. Rest assured, it all makes sense in the end—more or less.

Mr. Nobody

Mr Nobody, Nemo Nobody, is now 100 years old, the last mortal on earth in 2092, and he is about to die. Questioned about his life on his death bed by a journalist that sneaked in the hospital, he tells the stories of his lives. Yes, lives, his three lives, his three destinies between which he was unable to choose from. Three love stories, three very different existences conditioned by apparently meaningless decisions. Three paths, three wives, three families, three fates.

This genuinely mind blowing movie is an experience revolving around the notion of choice, the importance or futility of decisions, a complex story that questions randomness, and what our lives are made of. Illustrated by bribes of a science documentary enlightening us about concepts like time before and after the big bang, the extremely interesting superstition of the pigeon, the eventuality of the big crunch, the complexity of quantum mechanics and string theory. This is a journey into the human psyche and the ability to create and explore in our imagination all the possible moves, like a chess player, that would lead to different paths, different existences. Exceptionally imaginative, acutely funny and startling, this production reeks of intelligence and craftsmanship, breaks down linear storytelling into bits, only to shuffle the whole thing in a brilliantly orchestrated masterpiece. It reminded me of so many great experiences, from David Lynch movies to Jorge Luis Borges books, it’s an exquisite bundle of intellect and emotion.

Choices, their meaning, why we choose this or that road through our lives, their consequences, whether we are aware of them of not. How many different lives could we be living ? Through the infinite possibilities facing each and every one of us, the good and the bad choices, every turn taken creates a new life, the most interesting of all is being alive. Chaos theory and butterfly effect to remind us how small we are in the randomness of the universe and yet so able to actively manifest the reality we desire. Nemo Nobody has to choose between leaving with his mother or stay with his father, the starting point of the exploration his available destinies. Unable to decide, he chooses both and takes us for a ride through an immensity of possible.

The filming is smooth and sequences linked in a flow of event that jumps back and forth through time, brilliantly edited with great attention for rhythm. The music score is so adequately put together that it adds to the already stunning staging efficiency of the directing by Jaco Van Dormael. I dare to say this is the very best movie of 2009 and will most likely go see it a second time next week, one can never get enough of these absolutely mind blowing experiences. Confusing and dazzling at the same time, it manages to spark the most interesting discussions about the meaning of life, in an attempt to pinpoint why we live it. Whatever you got planned for this week end, just drop it and go see that movie, you will not regret it.

There is a concept which corrupts and upsets all others. I refer not to Evil, whose limited realm is that of ethics; I refer to the infinite.